Arbeit darzustellen, ist eine immer schwierigere Angelegenheit, weil Arbeit zunehmend unsichtbar wird. Insofern war die Aufgabe auch spannend, eine Graphikerin abzubilden und sie im Rahmen ihrer Welt zu zeigen. Graphik ist aber ein Produkt, das im Kopf entsteht; auf Papier wird ein Gedanken-Knäuel, eine Ideenwolke in starken Strichen lediglich fixiert. Graphik ist eine zähes Ringen darum, eine Botschaft schließlich in eine geordnete und unmissverständliche Form zu bringen. Und die Striche oder Schraffuren so leicht aussehen zu lassen, als hätte sie ein Sommerwind durch die halbe Welt getragen, um sie auf einem weißen Blatt einfach abzulegen.

Graphik ist Reduktion. Und insofern entschloss ich mich, meine Kundin schlicht und ergreifend darzustellen: im Dialog mit ihrem Skizzenbuch, eingebettet von ihren Entwürfen, am groben Tisch wie ein Handwerker. Eben das ist Graphik auch und vor allen Dingen: Arbeit.

Business-Photographie ist nur so gut wie sie das Business des Kunden richtig abbildet. Ein schöner Auftrag kam da von einer Hamburger Geschäftsfrau, die stark auf dem asiatischen Markt vertreten ist und sehr intensiv rund um das Thema Mode arbeitet. Wichtig war also Understatement.

Von vornherein hatten wir die Bilder schwarz-weiß angedacht. Im Geschäftsleben gibt Schwarz-Weiß immer noch die besondere Note, wirkt eine Ecke edler. Außerdem war die Büro-Atmosphäre ohnehin eher monochrom gehalten. Die japanischen Schriftzeichen an der Wand gaben einen belebt-interessanten und dennoch ruhigen Hintergrund ab. Der einsame Apfel auf dem Tisch, die schlichte Kleidung, alles hatten wir sorgfältig auf ein Ziel hin komponiert: selbstbewusste Sachlichkeit demonstrieren, ohne mit irgendwelchem Schnick oder Schnack Eindruck schinden zu wollen.

Als Beleuchtung diente lediglich eine 60×60 Zentimeter Softbox. Ich finde es immer wieder erstaunlich, dass die angestrebte Botschaft klarer wird, je weniger Aufwand betrieben wird. Im Übrigen habe ich das Photo mit einer 7×6-Mittelformatkamera geschossen. Ich wollte auch durch die Wahl der Kamera von mehr Ruhe in die Aufnahme bringen.

Genau so haben wir es mit der alternativen Szene gemacht: eine Aufnahme in einer Boutique. Wir wollten die gleiche reduzierte Sachlichkeit außerhalb der Büro-Welt darstellen. Auch hier wieder eine Lichtquelle und schlichte Eleganz durch ein rein-weißes Outfit. Die Kundin jedenfalls fühlte sich richtig gut getroffen und auch gegenüber ihren Kunden treffend dargestellt.

Was macht ein gutes Portrait aus? Dass es weniger den Menschen abbildet, als dass es den Charakter zeigt. Also, dass wir uns als Betrachter eine Vorstellung davon machen können, wasdiesen Menschen umtreibt. Junge Menschen entdecken vornehmlich ihre Körper, spielen mit ihrer Sexualität; gilt für junge Frauen genauso wie für junge Männer. Nur sind die Posen unterschiedlich.

Die Spannung zieht dieses „Girly-Portrait“ aus drei Chaakteristika, die allesamt typische Sehgewohnheiten von einer Frau bedienen: dem rückwärtig verschobenen Becken, dem exponierten Décolleté und dem devot zur Seite geneigten und gleichzeitig leicht gesenkten Kopf. So „anbietend“ und gleichzeitig gekünstelt keusch sehen Männer Frauen grundsätzlich gern.

Kurven herauszuarbeiten, ist also das typische Mittel, um in einem Photo Weiblichkeit abzubilden. Eine weitere Komponente, um Jugendlichkeit und Vitalität zu betonen, sind Haare. Ich habe Ayleen einfach ein paar Mal ihre Haare hochwirbeln lassen. Der leicht nach hinten geworfene Kopf unterstreicht sogar das Selbstbewusstsein, das junge Frauen so spannend macht.

Grundsätzlich reichen mir für ein gutes Bild die Farben Schwarz und Weiß mit wenigen Schattierungen. Für einen Kunden bin ich allerdings den gegenteiligen Weg gegangen: ein Business-Portrait mit fast übertrieben satten Farben. Warum? Das Bild gehört zu einem Flyer, den ich für einen Kunden zu einem arbeitsmarktpolitischen Thema zu erstellen hatte. Richtig vermutet, das Thema an sich ist etwas trocken. Insofern bot sich an, die Frische der Farben möglichst stark aufzudrehen, um den Text zu würzen.

Außerdem war Rosa beziehungsweise Magenta die Farbe, die sowieso dem ganzen Flyer Vitalität geben sollte. Dass die Portraitierte einen rosa Blazer getragen hat, war eher Zufall. Den ich mir aber durch die Betonung zunutze gemacht habe. Da die Grundfarbe des Flyers Blau ist, habe ich auch das natürliche Blau der Augen nochmals verstärkt. Einfach ein dem natürlichen Blau der Augen ähnliches Blau in einer Ebene darüber malen und mit einer ganz geringen Deckkraft ins Gesicht hinein multiplizieren – fertig ist der Effekt. Für den einen speziellen Kunden die absolut richtige Botschaft.

Glamour-Licht ist der gängige Name. Ich würde die eine Variante mal „Doris-Day-Licht“ nennen. Glamour-Licht gibt immer einen Diven-Look: Das Model sieht aus wie ein Hollywood-Star. Diven-Look geht hart, der geht auch weich. Doris Day war eine amerikanische Komödien-Diva der Fünfziger und Sechziger, und da drängt sich ein weicher Look auf; obwohl Glamour-Licht echt knackig aussieht, aber einfach herzustellen ist.

Im Fall von meinem Model ging das sogar draußen im Wald. Das Setting war bestimmt von Sommer-Sonnenlicht am späten Sonntagvormittag. Als zusätzliche Lichtquelle stand ein Kompaktblitz auf einem Stativ im Hintergrund. Der Doris-Day-Effekt ergibt sich durch die Kombination aus Beleuchtung und Pose, beziehungsweise Mimik. Das Model blickt verträumt direkt in die Lichtquelle; in diesem Fall die Sonne. Das gibt knallhartes Licht, das aber in so einem flachen Winkel auftrifft, dass die Schatten gleichermaßen kontraststark sind, aber eben auch durchzeichnet. Und aufgrund des flachen Winkels des Lichts bleibt die Haut einigermaßen zart.

Das „Spitzlicht“ sitzt hinter dem Model so zentral, dass der gesamte Hinterkopf von Licht umspielt wird und sich zum Strahlen des Lächelns addiert; der romantische, glamouröse Charakter wird dadurch stark betont, dass das Licht der Corona viel prominenter im Bild wirkt als das Licht von vorn. Aber den unwirtlichen, künstlichen Look erhält das Bild durch die offene Blende.

Einerseits ist das Gesicht durchgehend scharf, andererseits verschwimmt der Hintergrund, so dass die Augen und der Mund das Bild dominieren. Trotzdem bleibt der Gesamteindruck des Bildes sehr weich und weiblich – eben das ist die Kombination, mit der weibliche Filmstars abgelichtet werden.

Geduld ist eine die wichtigsten Tugend eines Fotografen. Geduld für den richtigen Moment ist weit entscheidender für ein gutes Bild, als jeder Kniff in Bildbearbeitung. Das obige Portrait ist prinzipiell „out of camera“, das heißt, Schnitt und Komposition entsprechen exakt dem Negativ – genau: Ich habe das Bild analog fotografiert auf dem Kodak T-Max 100-Kleinbildfilm.

Entscheidender aber ist, dass ich auch an der Belichtung im Nachhinein kaum etwas nachgebessert habe: Kein Lightroom, aber auch kaum Photoshop. Ich habe lediglich die Gradation etwas aufgesteilt und kurz mit Dodge and Burn Tiefen und Lichter betont. Ansonsten stimmte die Belichtung exakt, obwohl ich lediglich mit einem Handbelichtungsmesser grob das Umgebungslicht eingemessen habe. Dieser Tag war zwar ein grundsätzlich sonniger, aber immer wieder schoben sich Wolken über den Himmel, so dass die Lichtbedingungen häufiger wechselten.

Allein das erfordert eine Menge Geduld, aber spannender war, dass ich meinen Portraitierten lange mit der Kamera verfolgt habe, um einen aussagekräftigen Moment abzupassen. Wir saßen in einer Strandbar und unterhielten uns lange. Zwischendurch habe ich immer wieder fotografiert. Klar, war mein Model irgendwann ein wenig genervt, aber andersherum auch geschmeichelt. Jedenfalls kam ein sehr gutes Ergebnis heraus. Und das trotz offener Blende. Die Schärfe stimmt, die Augen haben Licht.

Mein Model war jedenfalls hoch zufrieden. Immerhin ist er selbst Fotograf. Mal reinschauen bei Christian Giesen.

Portrait-Termin vereinbart, und das Wetter ist bescheiden! Na, und? Knips Dir den Spätsommer selbst an und erleuchte selbst den trübsten Tag. Selbst draußen – oder: gerade draußen – stellst Du Dir einfach einen Spot in den Hintergrund. Das Licht muss natürlich ziemlich hart sein, so dass Du einen möglichst kleinen Reflektor nutzen solltest. Den stellst Du direkt hinter den Kopf. Je vollformatiger Du photographierst, desto realistischer ist der Eindruck.

Dazu empfiehlt sich natürlich, die Schatten nachzudunkeln. Gerade an einem Spätsommer-Tag sind die Kontraste hoch. Selbstverständlich lässt sich auch eine graue Lichtstimmung in eine andere Jahreszeit hinüberschrauben: Einfach die Farbstimmung in Richtung Rot-Orange verändern, geht genau so effektiv in Lightroom wie in Photoshop.

Das Licht von vorn ist wieder ein einfacher, entfesselter Aufsteckblitz mit ganz schwacher Leistung, über Photozelle kommunizieren die beiden Lichtquellen auch ohne Schwierigkeiten miteinander. Für mich ist der Kick von vorn ideal, wenn er so gerade eben auf das Objekt trifft. Somit wird auch auch einer ganz kleinen Lichtquelle ein brauchbares Licht, nicht zu hart, nicht zu weich – genau richtig. Somit sind zwar die Konturen im Gesicht gut herausgearbeitet, die Augen leuchten, die Kontraste sind knackig, aber die Haut bleibt weich. Ist vor allem bei Frauen dringend angeraten.

Die Portrait-Sitzung dauerte keine 20 Minuten: Softbox schräg von links vorne oben, Spot mit hartem Reflektor von hinten links oben und Blende aufgerissen. Nicht mal von vorn aufgehellt. Wie ich sicher weiß, hat die Kundin gerade mal eine Bewerbung gebraucht, um einen Job zu bekommen. Ein Photo ist immer nur so überzeugend wie der Abgebildete selbst.

Für Männer-Portraits eignet sich in der Regel hartes Licht am besten. Aber eben nicht unbedingt. Wenn der Blick klar voraus geht, ist auch weicheres Licht durchaus angebracht – das ist auch immer eine Typsache. Ein dunkler Typ sieht vielleicht eher kernig aus, als ein heller, eher weicherer Charakter. Hier bestimmt der silbergraue Bart mit der entschlossenen Körperhaltung und der Lederjacke den Typ so gut und kernig, dass das Licht keine zusätzlichen Akzente setzen muss, um Kernigkeit zu demonstrieren. Also habe ich in diesem Fall einfach mit einem normalen Aufsteckblitz von leicht schräg oben aus der Hand geschossen und die Leistung so weit herunter geregelt, dass ich zwar einen Reflex in den Augen und einen leichten Schatten unter der Nase sehe, aber ansonsten den Eindruck von available light bestehen lasse. Für die Betonung der Konturen eine ideale Kombination, weil sie weitestgehend eine natürliche Lichtstimmung lässt.

Die warme Farbstimmung, liegt der an der tief stehenden Sonne, dessen orangefarbener Ton noch verstärkt wurde – ich bin ein ausgesprochener Gegner von Filtern während der Retusche, dafür versuche das schon während der Aufnahme zu realisieren. Als Kontrast wurde hier in den Schatten, vor allem in der Lederjacke, das Blau gegenüber den anderen Farbtönen betont. Für diese Retusche eignet sich am besten Lightroom. Dort lassen sich die Tiefen und die Lichter ganz easy separat einfärben. Photoshop kann das auch, ist da aber träger.

Farbigkeit gewinnt heutzutage immer stärker an Bedeutung für die Attraktivität eines Bildes. Farbigkeit wird heute grundsätzlich als »Look« bezeichnet. Jeder Photograph hat so seinen eigenen »Look«, das ist einerseits wichtig, um seinen eigenen Stil kenntlich zu machen, und schnell erkannt zu werden. Mit seinem eigenen »Look« macht jeder Photograph aus sich eine eigene Marke. Andererseits kann der eigene »Look« auch schnell eingefahren wirken. Verschwindet eine Mode, sieht der »Look« schnell von vorgestern aus. Jeder Photograph sollte also abwägen, wie sparsam er seine Stilmittel einsetzen oder wie viel Variation er pflegen will.

Für „ehrliche Bilder“ gelten besondere Maßstäbe. Besonders mühevolle Retuschen verbieten sich nämlich, um einen hohen Grad an Authentizität zu bewahren. Grundsätzlich gilt, dass sich die Abgebildeten wieder erkennen und leiden können müssen. Ich finde, dass das Alter auch adelt. Fältchen erzählen dabei ihre eigene Geschichte, die sich von der junger Menschen eben doch ganz enorm unterscheidet und mehr Tiefe erhält. Portraits reiferer Menschen haben meines Erachtens in der Regel einfach mehr zu erzählen.